Er ist Teil der sogenannten neuen Madrider Figur, zusammen mit Persönlichkeiten wie Guillermo Pérez Villalta, Luis Gordillo, Alfonso Albacete, Carlos Alcolea..., von denen die meisten nicht in der Hauptstadt geboren wurden. Manolo Quejido (Sevilla, 1946) verbrachte 14 Jahre in Madrid. „Ich war unter Kollegen, Kollegen, und das war genug. Es war eine fröhliche und sehr interessante Etappe“, kommentierte er. War die Geschichte dieser Gruppe von Künstlern gegenüber fair? Denn die spanischen Maler der 70er Jahre sind etwas in Vergessenheit geraten. „Solche Dinge passieren“, sagt er resigniert. Er hat mehr als 5 Jahrzehnte Arbeit hinter sich, auf halbem Weg zwischen Pop und Expressionismus.
„Ohne Konsum“, von Manolo Quejido (Andalusisches Zentrum für zeitgenössische Kunst, Sevilla) Ernesto Agudo
Das Museum Reina Sofía widmet ihm bis zum 16. Mai 2023 eine Retrospektive „Entfernung ohne Maß“. Es vereint ein hundertjähriges Bestehen von Gemälden, die seine gesamte Karriere abdecken. In krassem Schwarz, von Kopf bis Fuß, kontrastiert der Künstler mit den bunten Gemälden, die im Palast hängen. Nicht alle. Darunter einer aus dem Jahr 2014, der kaum Farbe hat. Es trägt den Titel „Ende“, aber das Wort erscheint invertiert. Am unteren Rand der Leinwand befindet sich eine Inschrift: "Indem die Malerei zu Ende geht, hat die Malerei ein endloses Ende." „Für mich ist es eine besonders einprägsame Ausstellung, weil sie den gesamten Zyklus meiner Arbeit abschließt. Sie sind eine Geldstrafe. der Vorhang fällt Alles beginnt wieder von vorne." Und er gibt ein intimes Geständnis ab: „Seit zehn Jahren wollte und konnte ich niemandem meine Arbeit zeigen. Für mich ist es unerklärlich. Meine nächste Arbeit ist unvorstellbar. Zum ersten Mal male ich, ohne eine Ahnung zu haben, was ich tue.“
Ein junger Mann, vor „La Pintura“, 2002 (Privatsammlung) Ernesto Agudo
Es ist überraschend, dass dies nach einer so langen und erfolgreichen Karriere der Fall ist. Liegt es an der Unsicherheit? "Entweder. Unsicherheit, immer. Man besitzt nichts. Der Prozess des Malens ist irgendwie Selbstmord. Das Gemälde tötet den Maler, macht ihn zu einem unter allen. Beim Schreiben ist es genauso. Das ist ein anderer Maler, wie ein Heteronym, er heißt Nadir [Punkt auf der Himmelskugel diametral gegenüber dem Zenit]. Teil eines Gemäldes, das ich gemacht habe: 'Aperitif in der Eden-Bar'. Ich bin bereits Nadir und das sind meine Gedanken.“ Seine Worte haben etwas Apokalyptisches, es ist, als würde er sich von seiner Karriere verabschieden. Und von Manolo Quejido: „Irgendwie verabschiede ich mich von ihm, das macht mich fast glücklich.“
„Ohne Worte“, von Manolo Quejido, 1977 (Museum für Zeitgenössische Kunst in Madrid) Ernesto Agudo
Es war komplex, hundert Werke auszuwählen, da Manolo Quejido ein unermüdlicher Maler ist und viele Arbeiten hervorgebracht hat, die laut Kurator „wie ein Melonenfeld“ sind. „Seine Arbeit ist sehr ernst, von großer Konsequenz“, rät Manuel Borja-Villel, Direktor des Reina Sofía. Es hat Klarheit und Strenge. Es gibt nicht einen, sondern viele Manolo Moans. Seine Ideen und Obsessionen spiegeln sich in der Ausstellung wider, in der Serien und Sets großformatiger Arbeiten hängen. Velázquez („der konzeptionellste Maler der spanischen Kunst“, laut Borja-Villel) ist während seiner gesamten Karriere präsent. Er erscheint in Gemälden wie „Partida de damas“ und reflektiert ihn in „VerazQes“, aus „La fragua de Vulcano“, „Las hilanderas“ und „Las meninas“. Velázquez al cubo: Gemälde über Velázquez im Palacio de Velázquez, in einer von Beatriz Velázquez kuratierten Ausstellung. Fehlt nur noch die morgige Verleihung des Velázquez-Preises. Doch nicht nur der sevillanische Meister interessiert ihn. In „30 Glühbirnen“ huldigt er der Kunstgeschichte: Piero della Francesca, Ingres, Goya, Cézanne, Picasso, Matisse, Warhol, Bacon...
Von den strahlenden Gemälden der 80er bis zum Widerstand gegen die Konsumgesellschaft der 90er: Produktetiketten, Supermarktangebote, Zeitungspapier... In seinem monumentalen Werk „Without Consuming“ (1997-1999) beschwört er den Konsumüberschuss herauf. Es ist ein Gemälde, das von Malerei spricht, aber ohne Selbstbezogenheit. Es stellt den Maler, das Malen und die Handlung des Malens auf eine Ebene. Er näherte sich dem Akt des Malens und untersuchte nüchtern die plastischen Möglichkeiten der Malerei. Es gibt ein Gemälde Gemälde und ein gemaltes Gemälde. Ihn interessieren die Beziehungen zwischen Denken und Malen. Auch Mathematik (Möbius), Philosophie (Nietzsche, Heidegger, Lacan, Bataille), Poesie... Nichts ist ihm fremd. Seine Neugier ist grenzenlos.
