Conversations with Rafa Munárriz (Tudela, 1990) gipfelt in philosophischen Gesprächen, in denen verschiedene Arten des Alleinseins, wenn nicht des Bestehens, des Seins in einem bestimmten Raum neu überdacht werden. Es scheint, dass der Künstler den Versuch unternommen hat, eine Form-Raum-Theorie zu entwickeln, und die Kunst gewählt hätte, um sie wie eine Proklamation zu verbreiten. Munárriz hält den Betrachter vor seine Werke, als ob sie ihm eine Art metaphysische Antwort geben würden.
Der junge Schöpfer strebte danach, dass das Individuum Fragen aufwirft, um die Realität neu zu ordnen und ihr eine andere Bedeutung als die etablierte zu geben, und die Art und Weise, wie er diese persönliche Argumentation ausüben muss, ist die Skulptur. Diese Skulpturen entstehen aus der Anregung, die die Umgebung auf den Künstler projiziert. Munárriz' Arbeiten entstehen aus einer Befragung dieses seinen urbanen Raums. Das heißt, von der Konzeption der künstlichen Umwelt.
Im Fall von Munárriz geht sein Interesse am Urbanismus seiner eigenen Hingabe an die Kunst voraus. „Als ich klein war, habe ich Graffiti gemalt. Mich hat nicht die Ästhetik der Graffiti interessiert, sondern die Tatsache, dass ich allein in der Stadt war. Alleine zu gehen schafft ein räumliches Konzept, das sich von Ihrer Umgebung unterscheidet. Er entkam mir im Morgengrauen und tastete mich auf Brücken ab, die Autobahnen überquerten, um Autos zu beobachten, die mich nicht beobachteten. Auf den Straßen dreht sich alles um diese Maschinen, und man merkt nicht, wie aggressiv oder großformatig diese sind, bis man sich als Bürger darin verortet“, erklärte Navarro. Munárriz' Kunst ist teilweise von Introversion und Klaustrophobie inspiriert. Dies rechtfertigt die Vorliebe des Künstlers, die Einsamkeit des Individuums vor der Stadt zum Ausdruck zu bringen und ihre Erbauung und Privatisierung ihrer Räume abzulehnen. „Ich bin überwältigt von der Tatsache, dass ein Dritter meine Umgebung, meinen Raum baut, weshalb ich oft eine Antwort auf diese Einschränkungen durch Skulptur vorschlage“, sagt er.
Der Navarrese bekennt, dass kein Künstler geboren wurde, zumindest nicht bewusst. Er war nie von der Kunst fasziniert, noch hatte er ein besonderes Interesse daran, sich mit dieser Manifestation menschlicher Aktivität zu befassen. Es war die Kunst, die Munárriz gewählt hat und nicht umgekehrt. Er versichert, dass es in Spanien keine Beziehung zwischen zeitgenössischer Kunst und der Laufbahn der Bildenden Künste gibt und dass es Aufenthalte in Deutschland, Chicago und Brasilien gibt, wo sich die Gelegenheit ergibt, sich mit dieser künstlerischen Bewegung zu befassen. Vor allem Deutschland, dessen Einsamkeit gleichzeitig das förderte, was heute sein Kunstjargon ist. Was die Künstlerin bereicherte, war der kulturelle Kontrast, die Art, sich aufeinander zu beziehen. „Wenn ich in eine andere Stadt reise, ist der Tourismus zweitrangig. Ich mag es, an einem Ort zu sitzen und zu sehen, wie die Menschen miteinander umgehen", erklärte der Navarrese.
die Kunst des Denkens
Munárriz erklärte, dass es einige Zeit gedauert habe, sich selbst als Künstler zu bezeichnen: „Man kann nicht Künstler sein wollen. Ich kenne keinen Künstler, der es werden wollte. es ist allmählich. Das Wort Künstler enthält ein gewisses Tabu, da es Menschen gibt, die den Künstler als ein überlegenes Wesen begreifen. Es ist nur ein weiterer Beruf. Ich fing an, mich so zu sehen, als mir klar wurde, dass ich etwas zu sagen hatte und dass etwas angenommen wurde.“
Der Bildhauer legt großen Wert auf die Kunst des Denkens. Es liest und hinterfragt, was ihn zum Schaffen inspiriert. Nach der Idee folgt die Umsetzung von Skizzen. Und wieder denken. Reflexion über die Entwicklung dieser Modelle. „Im Kopf entsteht zum ersten Mal Arbeit. Mein Entstehungsprozess lässt sich in drei Teile gliedern. Letzteres ist eine Mischung aus Denken und Produktion“, sagt er.
Die Bedeutung des Raumes und der Kreationen verdeutlicht der Mann aus Tudel auch durch seinen als Installation bekannten und in der Arbeit „M506“ erwähnten Zustand: ein verunglückter Abschnitt einer Autobahnleitplanke. In diesem Stück manifestiert sich Munárriz als das Individuum, das Gewalt erzeugen kann, wenn man aus der Ordnung gerät: „Für mich war es sehr interessant zu beobachten, wie die Handlung des Fehlers des Unfalls diesen Rechtsbruch erzeugt hat. Den Unfall als Befreiung zu hören, hat mich angezogen. Ich habe mich im Entwicklungsprozess ausgetobt. Ein Subjekt war mit etwas kollidiert, das ihm den Weg verwehrte, und dies hatte eine ausdrucksstarke Form erzeugt. Der Unfall als Akt der unfreiwilligen Inanspruchnahme“. Ähnliches passiert bei Handelsschließungen. In Munárriz ist die Art und Weise, wie das Private den Begriff des Öffentlichen definiert, faszinierend, die Tatsache, dass ein großer metallischer Vorhang dem Einzelnen vorschreibt, wann er diesen Raum betreten kann und wann nicht. „Durch die Verweigerung von Räumen, die bestimmen, wie man in der Stadt leben möchte, werden Ideen formalisiert. Meine Arbeit hinterfragt diese anderen Arten, sie zu bewohnen.“
Mit Metall, der höchsten Vorstellung von Geradlinigkeit, versucht Munárriz, organische Formen durch das Formen in Industriepressen zu finden. „Der Bruch mit diesem Material bringt eine weitere Frage mit sich. Wie dogmatisch, richtungsweisend und geplant es doch plastisch und flexibel sein kann. Es ist Natur in der Stadt. Das Individuum als etwas Organisches, das auf Rechtschaffenheit beruht“.
Das Atelier von Munárriz hat keine Türen. Es ist eine Zuflucht ohne Grenzen, die in den Leugnungen von Madrid liegt. Und ihre Gespräche darin kulminieren in einem Regen von Fragen, die nur der frühe Morgen beantworten kann.
